CHAMBERS' EDINBURGH JOURNAL
CONTENTS
СРЕДНЕВЕКОВАЯ МАНИЯ. ЛЕГЕНДА ОБ АМЕН-КОРНЕР. ПЫЛЬНЫЕ БУРИ И КРОВАВЫЕ ДОЖДИ. ГОРОДСКОЕ ДОЗНАНИЕ ДЛЯ БЕДНЫХ. ЗАМЕТКИ ПО СЛУЧАЮ. ИССЛЕДОВАТЕЛЬСКОЕ ПЛАВАНИЕ «ГРЕМУЧЕЙ ЗМЕИ». ЗНАМЕНИТЫЙ ФРАНЦУЗСКИЙ ЧАСОВЩИК. СВЯТАЯ ЕЛИЗАВЕТА ТЮРИНГСКАЯ. ВОЕННЫЙ КОРАБЛЬ ИЛИ КОРАБЛЬ МИРА. ЗАМЕТКА ДЛЯ БУДУЩИХ ЭМИГРАНТОВ. РУКОВОДСТВО ДЛЯ ЭМИГРАНТА.
ПОД РЕДАКЦИЕЙ УИЛЬЯМА И РОБЕРТА ЧЕМБЕРСОВ, РЕДАКТОРОВ «ИНФОРМАЦИИ ДЛЯ НАРОДА ЧЕМБЕРСА», «ОБРАЗОВАТЕЛЬНОГО КУРСА ЧЕМБЕРСА» И ДР.
No. 432. New Series. SATURDAY, APRIL 10, 1852. Price 1½d.
СРЕДНЕВЕКОВАЯ МАНИЯ.
Return to Table of Contents
Говорят, что история — это череда реакций. Общество, подобно маятнику, сначала движется в одну сторону, а затем качается в противоположную. В настоящее время можно сказать, что мы на полной скорости возвращаемся к вкусу ко всему старому, забытому и веками презираемому. Наука и утонченность имели свой расцвет, а теперь грубая природа и стихийность должны взять верх. В детстве мы учили латинский алфавит, но нынешней молодежи необходимо добавить к этому знание готического шрифта, который стремительно входит в моду. Совершенство можно найти только во тьме и невежестве средних веков.
Безусловно, правильно избавляться от того, что является скучным и безжизненным в искусстве; и следует признать, что почти все, что было сделано в архитектуре и декоре в георгианскую эпоху, было отвратительно. Но одно дело — реформировать, и совсем другое — совершать революцию. Давайте во что бы то ни стало обращаться к природе за наставлением, но к природе, пропущенной через фильтр культурного чувства, — выбирая то, что способствует облагораживанию и утонченности, а не то, что деградирует и отбрасывает нас к формам и идеям, совершенно неуместным в девятнадцатом веке, и которые именно по этой причине могут иметь лишь временное господство, за которым в следующую эпоху последует бурная реакция.
Ранее мы уже обращали внимание на эту тенденцию к медиевализму в орнаментальном дизайне и приводили в качестве доказательства Великую выставку. Мы также указывали на странный феномен — возрождение монашеских институтов среди нас, спустя долгое время после того, как их цель была достигнута, что придает призрачный вид устаревшей идее; мы также разоблачили склонность рабочего класса полагаться на защиту богатых и при любой чрезвычайной ситуации требовать помощи как должное, тем самым добровольно и сознательно возвращаясь к состоянию крепостничества: теперь нам предстоит проследить средневековую манию в той области, где, несмотря на все это зловещее сочетание симптомов, ее появление поистине удивительно — в области высокого искусства живописи.
Нашим читателям не стоит опасаться, что мы собираемся обрушить на них научную диссертацию. Все, что мы хотим сделать, — это объяснить им слово, значение которого многим из них известно весьма поверхностно, и с помощью этого объяснения позволить им определить его претензии на то, чтобы называться не просто школой, а той самой школой искусства, которой суждено, если она основана на истине и природе, опрокинуть все остальные. Это слово — «прерафаэлитизм» — взято из имени одного из итальянских мастеров, и для понимания вопроса необходимо выяснить, какие обстоятельства и гений сделали его ориентиром в истории искусства.
После падения Западной Римской империи изобразительные искусства были утрачены, а их произведения буквально погребены под обломками. Умы смешанных народов, возникших в Европе, не имели ориентиров. Люди были предоставлены собственным инстинктам, лишь слегка подкрепленным руинами и традициями выродившегося Рима; и каждая группа стран имела свой собственный стиль искусства, созданный или принятый гением народа. В средние века наиболее распространенным стилем в Северной Европе была готика; и под этим термином вся система искусства того периода популярна в Англии. Состояние живописи при готическом режиме можно увидеть в витражах соборов, где четкие контуры и яркие цвета наложены без какого-либо учета кьяроскуро или научного расположения света и тени. Это кажется естественным этапом развития искусства, и в тот же момент он наблюдался с равным совершенством в Китае и Европе. В первом регионе люди сейчас начинают продвигаться на шаг вперед благодаря подражанию английским картинам, хотя еще несколько лет назад они разражались смехом, видя тень от носа на портрете. В Европе же к концу пятнадцатого века был сделан гигантский и почти внезапный шаг вперед под влиянием, которое было недоступно китайцам и природу которого мы сейчас объясним.
Однако сначала заметим, что прелесть кричащего, лишенного художественности колорита часто оказывает мощное влияние даже на умы, знакомые с лучшими образцами; хотя это влияние всегда свидетельствует об упадке интеллектуальной или моральной свежести. Так, древнегреческий автор (Дионисий Галикарнасский) отмечает, что совершенство, до которого была доведена живопись Апеллесом, деградировало при Августе; художники были настолько очарованы новым искусством колорита, что пренебрегали рисунком и предпочитали блестящее или кричащее солидному, а поддельное — естественной красоте. Каким было это «совершенство» Апеллеса, мы теперь сказать не можем, но вероятно, что оно существовало только в рисунке, а соединение этого с художественным колоритом было оставлено для мастеров Нового времени.
До появления этих мастеров и до того, как влияние, о котором мы собираемся упомянуть, ощутилось в Европе, предпринимались некоторые попытки силами неискушенного гения подняться над условностями того времени; во второй половине тринадцатого века Чимабуэ уже превзошел своих современных греческих наставников, а его ученик Джотто считался настолько естественным и оригинальным, что его стиль нельзя было отнести ни к одной из существующих школ, но его называли maniera di Giotto. «Вместо резкого контура, — говорит Вазари, — очерчивающего всю фигуру, сверкающих глаз, заостренных рук и ног и всех дефектов, возникающих из-за полного отсутствия тени, фигуры Джотто демонстрируют лучшую позу; головы имеют вид жизни и свободы, драпировка более естественна, и есть даже некоторые попытки сокращения конечностей». Все это, однако, хотя и было явным улучшением средневекового искусства, было грубым и несовершенным — это был лишь первый слабый рассвет лучшего света. «До сих пор, — говоря словами Роско, — персонажи редко превосходили повседневные прототипы обычной жизни; и их формы, хотя порой достаточно точные, часто были вульгарными и тяжелыми... Ко всему великому и возвышенному искусство было еще чуждо: даже знаменитая картина Поллайоло демонстрирует лишь группу полуголых и вульгарных негодяев, выпускающих свои стрелы в несчастного ближнего, который, поменявшись местами с одним из своих убийц, мог бы с равным успехом стать убийцей сам».
Но наконец пришло время, когда тот стимул, который вызвал трепет во всем сердце Европы, был передан вкусу. Картины древних греков были потеряны навсегда, мертвы и забыты; но их статуи были лишь погребены — погребены заживо — и теперь, по велению богатства и гения, они были извлечены из своей вековой гробницы и вышли невредимыми в своей очарованной жизни и бессмертной красоте. Да, невредимыми; ибо в голове, торсе, конечности, руке, пальце существовал тот же принцип жизни, что и во всей фигуре; и благодаря возвышенному закону пропорции, который связывал все воедино, мельчайший фрагмент указывал на совершенное целое. Дворец Лоренцо де Медичи стал местом сбора, и идеальная красота греков нашла новое святилище в рощах Флоренции. Они стали настоящей академией, где гений учился и учил, и где председательствующим духом места был Микеланджело Буонарроти, скульптор, живописец, архитектор, поэт, чей универсальный ум, казалось, подходил ему не столько для того, чтобы блистать в какой-то одной области — хотя он блистал во всех, — сколько для того, чтобы дать импульс всему Возрождению. Но Микеланджело как живописец преуспел главным образом в рисунке; в то время как тот, кто был его современником и, появившись на поприще на несколько лет позже, считался некоторыми его подражателем, был живописцем par excellence новой эры — первым великим живописцем современности. Это был Рафаэль. Он был учеником Перуджино и, будучи таковым, довольствовался тем, что с величайшей точностью подражал работам этого художника; пока, наконец, освободившись от опеки, он не отправился за вдохновением к картонам Микеланджело, к скульптурам садов Медичи и к самой природе. Вазари делает Микеланджело magnus Apollo Рафаэля, но Катрмер-де-Кенси приписывает последнему художнику более святое поклонение. В письме от него, которое он цитирует относительно своей знаменитой картины «Галатея», Рафаэль говорит, что для того, чтобы написать красивую женщину, он должен увидеть многих, но что, в конце концов, он должен работать над неким идеальным образом, присутствующим в его уме. «Таким образом, мы видим, — говорит французский критик, — что он действительно искал прекрасное, которое Природа представляет искусству, но которое воображение художника может уловить, а гений — реализовать».
Рафаэль был первым из современных художников, кто идеализировал красоту, или, другими словами, представил природу в той форме, к которой она стремится в своем бесконечном прогрессе, но которую пока лишь указывает здесь и там в тех намеках и частях, которые пророческий гений объединяет и отливает в целое. Он смягчил резкие контуры, смягчил кричащие цвета и гармонизировал неловкие пропорции средневекового искусства. С ним началась новая эпоха, украшенная многими прославленными именами, от Джулио Романо, поэта живописцев, до Тициана, который окунал свою кисть в радугу. Ломбардская школа Тициана была третьей из трех первых великих школ Возрождения, в которых вкус, освобожденный от тьмы средних веков, искал вдохновения в природе и греческих скульптурах. Что бы подумали, если бы триста лет спустя возникла школа, не просто отбрасывающая опыт и учения великих мастеров, но претендующая самим своим названием вернуться в ту бездну, из которой они были освобождены? Эта школа упадка, по сути, появилась среди других симптомов средневековой мании, и мы теперь серьезно развешиваем на наших выставках произведения прерафаэлитов! Название поначалу вызвало столько насмешек в Англии, что их друзья потрудились сообщить миру, что оно было принято исключительно с целью обозначить их полное отделение от школ Рафаэля и его преемников и их исключительную преданность природе. Художники Германии, однако, с которых началась эта мания, были менее щепетильны. Они намеренно подражали грубости ранних художников и даже выделяли в лучшую сторону юношеские работы Рафаэля, когда он был еще лишь простым копиистом Перуджино. Таким образом, прерафаэлиты избегают только реформированных школ; ибо представление мистера Рёскина о том, что до Рафаэля вообще не было никаких школ, слишком дико, чтобы на него отвечать. Название, однако, не имеет большого значения. Природа, к которой они вернулись, очевидно, для любого, у кого есть глаза, — это природа средних веков; и если наши читатели снова посмотрят на цитаты, которые мы привели выше — которые были взяты не случайно, — они найдут в словах Дионисия Галикарнасского, Вазари и Уильяма Роско довольно точное описание гения и манеры прерафаэлитов.
И иначе быть не могло. Мы отметили тождество вкуса между китайцами и непробужденными европейцами как указание на естественный этап развития искусства; и если мы отведем новой школе положение на одну ступень выше, чем у Чимабуэ и Джотто, это все, на что могут претендовать художники, которые даже попытались выбросить из своих умов более поздний и благородный опыт. Их правило — не иметь правил; копировать природу так, как она предстает перед ними; ничего не выбирать, ничего не отвергать, ничего не подчинять, и, таким образом, не иметь никакой композиции и никакого кьяроскуро. Они не признают никакого неравенства, никакой взаимосвязи объектов: булавка на платье дамы и нос на лице дамы трактуются с одинаковой беспристрастностью. Гармония цветов — это просто мечта: пусть они будут такими же яркими, как витраж, и все будет хорошо.
В данный момент на выставке Шотландской академии в Эдинбурге можно увидеть два образца прерафаэлитизма. Оба они отличаются, как философ в «Капле воды» Андерсена, отсутствием названия; но к каждому из номеров в каталоге приложена цитата, которая, как предполагается, указывает на предмет. Номер 9 в Большом зале имеет это четверостишие из Теннисона —
'She only said: "My life is dreary—
He cometh not!" she said;
She said: "I'm aweary, aweary—
I would that I were dead."'
В иллюстрацию этой неловко составленной строфы женщина, непривлекательная и неграциозная, изображена стоящей в позе зевоты, на которую указывает не открытый рот, а искаженная фигура и руки, скрученные за спиной. Она находится рядом с витражным окном, чьи кричащие цвета оспариваются ее собственным ярко-синим платьем, причем целью художника повсюду кажется насильственное противопоставление, а не гармония. Картина с ее резкими вывихами, как костей, так и впечатлений, передает идею чего угодно, только не покоя, хотя мышь на полу велит нам заметить, что, несмотря на видимость, неуклюжая дама потягивается в тишине. Вряд ли может быть что-то более неэлегантное и неправдивое, чем это произведение; однако здесь и там есть искусная живопись; и некоторые аксессуары, если рассматривать их без связи с дизайном, в котором они являются пятнами, — модели своего рода. Мысль принадлежит средним векам, механический мазок — пост-рафаэлевской эре.
Другая картина, № 93, в той же комнате, больше и амбициознее. Она изображает столярную мастерскую с механиком на каждом конце длинного верстака; один из них — полуголовый, отвратительный негодяй, в чьей композиции едва ли есть след человеческой анатомии; а другой — респектабельный и довольно проницательный на вид человек с неизмеримыми ногами. За верстаком — страшная старуха из низшего сословия; а перед ним — другая, помоложе, но отталкивающе уродливая и вульгарная, рассматривающая вместе с респектабельным рабочим — и с бровью, сжатой в ужасное скопление морщин до самых огненных волос — руку маленького мальчика. Этот маленький мальчик, хотя и плебейского вида и рыжеволосый, не неприятен: он, по-видимому, порезал руку, играя с какими-то острыми инструментами, лежащими в мастерской; в то время как его брат, более фигуристый, а также лучше воспитанный мальчик, с волосатым фартуком вокруг него, делает себя полезным, неся таз с какой-то темной субстанцией — вероятно, столярным клеем. Но давайте посмотрим, что говорит легенда, приложенная к номеру: «И скажут ему: отчего же на руках твоих рубцы? И он ответит: от того, что меня били в доме любящих меня». — Захария, xiii. 6. Что это значит? Это значит, невинный читатель, что произведение, которое мы описали в его главных чертах, — это «Святое семейство» прерафаэлитов! Это их способ обращения к природе, выбирая только низменное и отталкивающее и отвергая все, кроме поэтического и религиозного чувства и здравого смысла.
Но если теория прерафаэлитов справедлива в отношении живописи, она должна быть справедлива и в отношении других областей вкуса. Предположим, она применена к музыкальной композиции. Давайте выбросим за борт все, что низводит музыку до науки, и «обратимся к природе», как советует мистер Рёскин, «ничего не отвергая, ничего не выбирая и ничем не пренебрегая». Каков был бы результат? Результатом была бы пытка для каждого в стране, кому посчастливилось обладать культурным слухом. И все же музыка того времени не была бы абсолютно неприятной сама по себе: она просто повлекла бы за собой лишение того, что стало необходимостью для вкуса; ибо природа все еще вдохновляла бы простые звуки, связанные более или менее с чувствами. Природа, по сути, действует в музыке по законам, которые лишь разработаны и осуществлены наукой; в то время как в живописи она предлагает бесконечное разнообразие объектов и эффектов, которые должны быть выбраны, сгруппированы и превращены в картину художником. Мы все чувствуем это, глядя на природные пейзажи. Нами движет бессознательная эклектика, и мы создаем композицию для себя. К некоторым природным сценам никакое мастерство не могло бы придать интереса; другие достигают определенного характера живописности; в то время как третьи, опять же, сочетают в себе все элементы хорошей картины. Но даже с последними одного подражания недостаточно. Природа, как отмечает Хэзлитт, «имеет холст больше, чем человек» — холст неизмеримо больше; и художник, поскольку он не может копировать, должен выбирать. То же рассуждение применимо к фигурной и групповой живописи и ее аксессуарам. Природа редко формирует идеальную группу, потому что ее цель — не воплотить единое выражение. Что касается мелких аксессуарных объектов, таких как булавка или лист, которые пишутся с той же тщательностью и точностью, что и главные объекты, то это дефект в рисунке, который свидетельствует о странном отсутствии рефлексии. В природе мы отчетливо видим фигуру и ее более заметные части, но мы видим мелкие аксессуарные части настолько нечетко, что иногда едва можем сказать, что они такое. Точная детализация этих объектов, следовательно, может иметь правду факта, но она лишена правды природы.
Каков был бы эффект новой системы, если бы она применялась к романтической литературе? Но вопрос излишен; ибо новая система игнорирует романтику, которая есть правда природы, а не факта. Прерафаэлитская история, взятая из реальной жизни, могла бы быть романтичной в своих инцидентах и поразительной в своей катастрофе; но ей не хватало бы связности в дизайне, и поэтому она не вызывала бы устойчивых эмоций; а ее персонажи, нарисованные без отбора с вульгарных прототипов, вызывали бы больше отвращения, чем интереса. Драма? — но там новая теория искусства становится слишком смехотворной: трагедия по такому плану была бы встречена попеременными зевками скуки и взрывами смеха. Все это уместные вопросы; ибо изящное искусство в литературе, музыке, скульптуре, живописи, архитектуре образует однородный круг под одним законом вкуса.
Можно предположить, что мы придаем слишком большое значение рассматриваемому отделу средневековой мании, но, со своей стороны, мы «ничем не пренебрегаем», что представляет собой препятствие, пусть даже незначительное, для прогресса цивилизации и утонченности. Прерафаэлитизм — это лишь одна из форм деградации вкуса, которая, кажется, идет в ногу с утилитарностью времени, и мы никогда не будем медлить с тем, чтобы оказать нашу помощь в очищении храма от его осквернителей.